zeitgenössische Kunst Berlin – Crisp Magazin

KUNZTEN – junge Kunst und langer Nachhall

Crisp Redaktion — Thu, 09 Jul 2026 07:59:59 +0000

Als Luis Bortt und die Brüder Maximilian und Leopold Schaefer nach Berlin zogen, stellten sie schnell fest, dass die Verbindungen zwischen Kunststudierenden und Gesellschaft ganz schön schwer zu knüpfen sind. Also gründeten sie 2020 kurzerhand ihre eigene Plattform KUNZTEN, um junge künstlerische Positionen bei Studiobesuchen zu entdecken und vorzustellen. Was als ein Online-Magazin begann, mündete schnell in eigenen, eklektischen Gruppenausstellungen. Nun eröffnete ihre fünfte Schau unter dem Titel ECHOES in den Räumen des Berliner Flutgraben e.V.

Felix Giesen, Für Verdienste, 2026, Öl, Collage & UV-Druck auf Leinen, 200 x 180 cm

Crisp: Hier ist ja einiges los auf dem Bild. Was sehen wir da und wie hast du Felix Giesen entdeckt?

Luis: Felix Giesen studiert an der Kunstakademie Düsseldorf. Auf ihn aufmerksam wurden wir durch sein Triptychon Kreuzabnahme Deutschlands, das er für die dortige Jahresausstellung entwickelte. Die in der Ausstellung gezeigte Arbeit Für Verdienste verbindet digitale Bildproduktion mit malerischen Verfahren. Giesen „füttert“ zuerst selbstgebaute KI-Modelle mit Fotos von Studentenverbindungen, die er beispielsweise beim Burschentag in Eisenach gemacht hat. Es geht ihm dabei vor allem um die Inszenierung von Männlichkeit durch Uniformität oder bestimmte Riten. Diese Bilder überträgt Giesen mit verschiedenen Drucktechniken auf Leinwand, teilweise mehrfach übergeschichtet und malerisch bearbeitet. Durch Lacke, Druckschichten, malerische Eingriffe oder sichtbare Oberflächen entsteht etwas, das zwischen digitalem Rendering und klassischer Malerei changiert.

Rebekka Benzenberg, Driving blind, 2024 Ruß auf Leinwand, 170 x 120 cm, Courtesy: die Künstlerin und MARTINETZ, Köln

Crisp: Die Arbeit von Rebekka wiederum entsteht komplett anders, oder?

Luis: Genau, die Leinwand wurde von der Rückseite mit einem Feuerzeug bearbeitet. Der charakteristische Duktus ergibt sich durch den Ruß, der sich in der Leinwand festsetzt. Rebekka Benzenbergs Arbeit Driving blind ist einer Aktstudie von Rubens nachempfunden, bei der Rubens drei „Grazien“ malte – ein Motiv, das in vielen seiner Bilder vorkam. Benzenberg interessiert dabei weniger die kunsthistorische Vorlage als die Art ihrer Darstellung: Rubens zeigt hierbei keine drei individuellen Frauen, sondern drei Idealbilder von Frauen. Die Figuren erscheinen nicht als eigenständige Subjekte, sondern als Projektionsflächen eines männlichen Blicks (Male Gaze). Mit ihrer Arbeit greift Benzenberg diese Tradition der Objektivierung weiblicher Körper auf und lädt dazu ein, sie aus einer zeitgenössischen Perspektive neu zu betrachten.

Minu Park, Yellow Cyborg III, 2025, Edelstahl, Glas, 3D-gedruckter Kunststoff, flüssiges Latex, Wechselstrom-/Gleichstrommotoren, Schläuche, 165 x 160 x 55 cm

Crisp: Auch Minu Parks Werk arbeitet mit dem Körperlichen, oder wie würdest du diese kleinen Roboter beschreiben? Wie seid ihr denn eigentlich darauf gekommen?

Luis: Entdeckt haben wir Minu Park beim Rundgang der Universität der Künste in Berlin. Wir waren sofort von ihren Cyborgs fasziniert – besonders von Yellow Cyborg III, der nun Teil der Ausstellung ist. Das Werk kreist um die ambivalente Beziehung der Künstlerin zu ihrer Mutter, die von Liebe, Distanz und Schuldgefühlen geprägt ist. Die Hülle des Cyborgs besteht aus getrocknetem Latex, den Minu Park wie eine Art Tattoo bemalte und zu ihrer Mutter nach Südkorea verschickte, wo diese ihn von Hand nachstickte. So verbindet das Werk digitale Bildwelten mit traditionellen Handwerkstechniken und macht zugleich familiäre Zusammenarbeit zu einem Teil des künstlerischen Prozesses. Für uns war schnell klar, dass wir diese Arbeit unbedingt in der Ausstellung zeigen wollten.

Neda Aydin, Die Luft denen, die sie atmen (für Afsar), 2022, Stahl, Ton, Module für Dach, Boden, Wand, Größe variabel

Crisp: Und was stellt Neda da auf diese Regale? Gehören die eigentlich zur Arbeit dazu?

Luis: Neda Aydin arbeitet seit vielen Jahren modular und bringt dabei auch verschiedene Werkserien zusammen. So auch in unserer Ausstellung, ihre Arbeit besteht aus Keramiken und einer Gitterstruktur. Damit verweist Aydin auf verworrene Machtstrukturen; die weich und taktil anmutenden Keramiken jedoch erzeugen im Wechselspiel ein Spannungsverhältnis, das in der Fragilität des Objekts ihren Höhepunkt erhält. Aydins Arbeit wandelt zumeist zwischen Zugehörigkeit und Ausschluss und entlarvt dabei starre gesellschaftliche Normen.

Luana Cloșcă, Veil (Likeness and Presence), 2026, Öl auf Polyester, 120 x 140 cm

Crisp: Siehst du Artverwandtschaften in Luanas Werk und den anderen Positionen, die ihr zeigt?

Luis: Luana Cloșcă ist eine junge rumänische Künstlerin, die an der Universität der Künste studiert. Sie arbeitet in intensiven Werkserien, die sie lange beschäftigen. Ihre neueste Serie greift das Vera Icon, das „wahre Bild“ und die Geschichte des Schweißtuchs der Veronica auf, das dem Mythos zufolge Christus’ Antlitz aufnahm und in der Folge die Ikonenmalerei oder gar jegliche bildhafte Wiedergabe nach der Natur „legitimierte“. Hier wird thematisch also etwas verhandelt, was sich durch die ganze Ausstellung zieht, etwa bei Rebekka Benzenberg, Murat Önen oder Irving Ramó: Wie wirken Bilder über Jahrhunderte hinweg nach? Die Arbeiten zeigen, dass Bilder nicht verschwinden, sondern weiterwirken. Sie verändern durchaus ihre Form, werden neu gelesen und prägen bis heute unseren Blick auf die Welt.

Crisp: Die Arbeiten von Jonas sind ja oft auch sehr politisch lesbar. Ist dir das als Kurator wichtig? Dass sich Künstlerinnen auch abseits der Ästhetik positionieren?

Luis: Natürlich spielt die politische Dimension in Jonas Höschls Arbeiten eine wichtige Rolle. Uns hat aber vor allem interessiert, wie er politische Fragen über Bilder und ihre Medialität verhandelt. Er setzt sich mit der Entstehung, Zirkulation und Wirkung von Bildern auseinander. Genau diese Schnittstelle war für unsere Ausstellung spannend. Wir zeigen eine Videoarbeit von ihm: Why are you crying, von 2024. Ausgangspunkt der Arbeit ist Gloria von Thurn und Taxis, die in derselben Stadt lebt, in der Höschl aufgewachsen ist. Sie war lange als „Punk-Prinzessin“ bekannt. 2005 kam es dann allerdings zu einer Auktion, bei der sie 135 Werke ihrer Sammlung versteigern ließ, darunter Why are you crying des US-amerikanischen Künstlers Richard Prince. Hier geht es also auch wieder um die Rolle von Bildern, wie sie fortleben, was sie transportieren und vermitteln, welche Geschichte einem Medium eingeschrieben ist und wie das die Lesart eines Bildes beeinflusst.

Irving Ramó, Step On Me Harder, 2026, Oil on canvas, 230 x 200 cm

Crisp: Hier bei Irving wird es ja sehr sinnlich. Wie findet ihr eigentlich diese ganzen verschiedenen Künstler*innen?

Luis: Tatsächlich auf ganz unterschiedlichen Wegen. Wir besuchen Rundgänge an Kunsthochschulen, gehen auf Ausstellungseröffnungen, recherchieren viel und tauschen uns mit Künstler*innen, Kurator*innen und Galerien aus. Irving Ramó haben wir beispielsweise über seine Ausstellungsprojekte in Berlin kennengelernt.

Irving stammt aus Quito, Ecuador, lebt aber seit ein paar Jahren in Berlin. In seiner Malerei verhandelt er Werke der Alten Meister wie etwa Diego Velázquez und deren Herrscherportraits, die (männliche) Macht repräsentieren sollten. Dabei schafft er verschiedene Elemente, die mit diesen Abbildern von patriarchaler Männlichkeit brechen. Ebenso dekonstruiert er die kolonialen Machtverhältnisse, die immer auch den Werken inhärent sind. Körper kommen zusammen, lösen sich auf, anthropomorphe Figuren entstehen und fixe Identitäten lösen sich auf. So entstehen vielschichtige Arbeiten, die sich zwischen Männlichkeit, Sexualität und Verletzlichkeit bewegen.

Murat Önen, Painter II, 2025, Öl auf Leinen, 90 x 100 cm, 2025, Foto: Simon Vogel

Crisp: Wenn wir abschließend auf die Arbeit von Murat Önen schauen, lässt sich der Titel ECHOES schon gut nachvollziehen. Was hat euch als Kuratoren an dieser Arbeit gereizt? Und was bedeutet der Titel ECHOES für die Ausstellung insgesamt?

Luis: Im Kern geht es uns in der Ausstellung um die „bildhaften“ Echos der Kultur- und Bildgeschichte, also darum, welche Bilder unsere Vorstellungen von Welt und Gesellschaft prägen. Die Künstler*innen der Ausstellung hinterfragen diese alltäglich gewordenen Sehgewohnheiten, spielen mit „kollektiven“ Bildern und entlarven hierarchische Blickregime in der Kunstgeschichte. Murat Önen bringt diese Idee auf ganz besondere Weise auf den Punkt. Seine Ölgemälde beziehen sich beispielsweise auf Cézanne oder andere Vorgänger der Kunstgeschichte. Diese kunsthistorischen Echos verbindet Önen mit autobiografischen Erinnerungen, Traumwelten und persönlichen Erfahrungen zu einer Bildsprache, in der Vergangenheit und Gegenwart miteinander in Dialog treten.

Crisp: Was wünschst du dir, dass von ECHOES nachhallt?

Luis: Vielleicht genau das: dass die Ausstellung noch ein Echo hinterlässt. Dass man bekannte, alltägliche Bilder, Motive und Erzählungen danach mit anderen Augen betrachtet.

Crispy Critic’s Picks: Gallery Weekend Berlin

Nutsa Sitchinava — Tue, 19 May 2026 09:10:17 +0000

Ketuta Alexi-Meskhishvili at Galerie Molitor

There is something striking in Ketuta Alexi-Meskhishvili’s radiant colors and the ambiguity of her fragmented images, suspended between clarity and abstraction. Among the first spaces visited, Galerie Molitor presents Georgia, the second solo exhibition by the Georgian-American artist. Continuing her exploration of photography as an unstable, process-based medium, the exhibition features new pieces of C-prints created through her ‘camera-less’ practice, which merges digital and analogue techniques. Using collage, manipulated Instagram screenshots, and light exposure, the works navigate between chance and control. Downstairs, table-shaped standing frames display aluminum dye-sublimations, contrasting permanence with the fragility of the prints above. Floral motifs and a recurring female form reference Alexi-Meskhishvili’s recent genealogical discovery of a relative named Georgia, evoking an unknown presence.

On view until June 19, 2026

Ketuta Alexi-Meskhishvili, Georgia. Courtesy of the artist and Galerie Molitor.

Petrit Halilaj at ChertLüdde

ChertLüdde’s presentation of Petrit Halilaj’s Who does the earth belong to while painting the wind?! expands beyond the gallery format: teapots in the front window and, inside, Kosovar Albanian kilim rugs, books, and tambourines create a welcoming atmosphere. The exhibition embeds lived history – the Kosovo War, displacement, and ongoing Serbia–Kosovo tensions, evoked through vandalized and burned containers, destroyed opera sets, and reconstructed scenography linked to Halilaj’s Syrigana (2025) production. Yet the show resists becoming merely a record of loss. Fragile materials, sculptural tails, ashen blackbirds, pears, and paintings weave the artist’s personal history into gestures of resistance. Its political force lies in transformation and repair, where narratives are not resolved but reshaped, refusing to vanish into ashes. Unfolding alongside Halilaj’s institutional exhibition at Hamburger Bahnhof, the gallery show offers a valuable space to reflect on, celebrate, and engage with Kosovo’s culture and complex history.

On view until July 25, 2026

Petrit Halilaj, Installation view of Who does the earth belong to while painting the wind?!, ChertLüdde, Berlin, 2026. Photo © Marjorie Brunet Plaza. Courtesy of ChertLüdde, Berlin and Petrit Halilaj

Yuji Agematsu At Galerie Buchholz

Entering Galerie Buchholz in Berlin’s former West, the small, carefully composed works initially appear as delicate sculptural objects. Only on closer inspection does it become clear that their material is far more humble: the everyday detritus of urban life. The exhibition marks the first part of a two-part presentation of Japanese artist Yuji Agematsu. His works consist of debris collected during daily walks through New York, arranged inside the cellophane of cigarette packets and titled Zips. Agematsu has repeated this practice every day since 1996, as noted in the exhibition text. What at first may evoke either disappointment or fascination gradually settles into recognition: urban waste is not so much elevated as carefully observed, held in a form that renders its fragility and randomness newly visible. It quickly becomes apparent that I have never encountered everyday waste arranged with such attentiveness before.

On view until June 20, 2026

Tracey Emin at Galerie Max Hetzler, part of the group exhibition The Self Assessed

In The Self Assessed, the group show at Galerie Max Hetzler, Tracey Emin’s work is positioned within a broad survey of self-portraiture as a psychological exposure. Against more distanced approaches to identity construction – such as the conceptually mediated self-representations associated with artists like Cindy Sherman or Bruce Nauman in the exhibition – Emin’s work is read as emphasizing immediacy and autobiographical directness. Emin remains committed to intimacy and emotional intensity. This is evident in works such as We Sit Together (2025) and Why I Never Became a Dancer (1995), where autobiographical narration and imagery of Margate fold memory into lived adolescent experience. Across her works presented, identity is not fixed but continually re-formed through recollection, power relations, shame, and desire. Tracey Emin’s self-revelation and vulnerability contribute to the perceived authenticity of her work. It is quite empowering to see her dancing at the end of the film, as she returns to her long-held yearning.

On view until May 30, 2026

Tracey Emin, Why I Never Became a Dancer, 1995. Courtesy of Galerie Max Hetzler

Daniel Buren at Konrad Fischer

Konrad Fischer Galerie, located in the city’s central district, alongside its spaces in Düsseldorf and New York, has long been known for exhibiting minimal and conceptual art. Daniel Buren’s current exhibition Trois en un, Hauts-reliefs, Travaux situés, extends his familiar site-specific stripe system from the 1960s into a large-scale mirrored installations that turns the gallery into a shifting optical field. The reflections multiply his bands, drawing viewers into the work while also dissolving spatial certainty. The viewer is not positioned in front of the work but absorbed into its logic of serial repetition and optical feedback, reinforcing Buren’s persistent claim that art cannot be detached from its conditions of appearance, surrounding space, and institutional framing. The critique of the “neutral” white cube remains central. While the installation effectively exposes how perception is constructed, it also reiterates a strategy Buren has long refined through institutional reflection.

On view until August 1, 2026

Daniel Buren, courtesy of Konrad Fischer Galerie

Brook Hsu at Kraupa-Tuskany Zeidler

Brook Hsu’s second solo exhibition at Kraupa-Tuskany Zeidler draws on the Barcelona Pavilion, designed by Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich for the 1929 Barcelona International Exposition. Her ink and pencil drawings, which depict pregnancy and loss through recurring female figures, establish an evocative dialogue between modernist architecture and bodily experience. At times, however, that connection feels elusive. The pavilion’s history of demolition and reconstruction offers a compelling lens through which to consider change and temporality, yet it remains somewhat unclear why this architectural history has been chosen to frame such an intimate subject. The inclusion of Georg Kolbe’s bronze sculpture Nacht (1930) provides a strong reference. The show is most effective in its emotionally charged atmosphere, though some of its conceptual relationships feel only lightly explored. This may stem from a lack of contextual grounding, which the exhibition text unfortunately does not fully provide, leaving the narrative slightly vague.

On view until June 13, 2026

Shinoh Nam at Mountains

After a long day, Shinoh Nam’s exhibition A Guide to the Interior for a House on Ambiguous Grounds, developed in collaboration with architect Changki Kim at Mountains, stands out. Reflecting on the contradictions of progress, the exhibition unfolds as a fragmented house suspended between construction and ruin, assembling steel, wood, and glass into remnants of unfinished models and architectural afterimages. References to the Le Corbusier chair, the schematic floor plan of Dogville(2003), and fragments of doors introduce crossings, thresholds, and concealed elements, evoking a spatial logic in which architecture is reduced to partial signs. These arrangements carry a quiet sense of mystery and phenomenological depth, recalling Gaston Bachelard’s poetics of interiority. I also think of Robert Smithson’s notion of the building as a ruin in reverse. There is a quiet persistence in how the works hold themselves open, resisting closure, even as their language of fragmentation invites familiarity.

On view until June 13, 2026

Installation view of Shinoh Nam, A Guide to the Interior for a House on Ambiguous Grounds, Mountains. Photo © Julie Becquart.